Con motivo del día de la Paz vamos a bailar una danza popular israelí. Aquí os dejo el vídeo para que la vayáis practicando.
viernes, 30 de diciembre de 2011
AUDICIONES DEL BARROCO
LAS CUATRO ESTACIONES. VIVALDI.
Grabación de un concierto en directo de "Las cuatro estaciones" de Antonio Vivaldi. Los vídeos pertenecen al mejor canal de música clásica que hay en Youtube con diferencia. A destacar la disposición de la orquesta al modo barroco y a tener en cuenta los siguientes conceptos: concerto solista, continuo, clave, orquesta de cuerda y contraste.
Pulsa en el siguiente enlace:LISTA DE REPRODUCCIÓN DE "LAS CUATRO ESTACIONES" DE A. VIVALDI.
CONCIERTO DE BRANDENBURGO Nº 2 EN FA MAYOR BWV 1047.
Debido a que se pueden insertar los vídeos, como en el caso anterior, ya que pertenece al mismo canal deYoutube, dejo los enlaces para los tres movimientos de que consta el concierto.Pulsa en el siguiente enlace: I. Bach: Concierto de Brandenburgo no. 2 en Fa mayor, BWV 1047
Pulsa en el siguiente enlace: II. Bach: Brandenburg concerto no. 2 in F major, BWV 1047
Pulsa en el siguiente enlace: III. Bach: Brandenburg concerto no. 2 in F major, BWV 1047
CONCIERTO PARA DOS VIOLINES, ORQUESTA DE CUERDA Y CONTINUO DE J.S. BACH, BWV 1043. PRIMER MOVIMIENTO.
A lo largo de la audición se puede seguir perfectamente a cada uno de los dos violines ya que están identificados por colores: rojo el violín primero y rosa el violín segundo.
El vídeo pertenece al canal de SMALIN: Máquina de Animación Musical..
El vídeo pertenece al canal de SMALIN: Máquina de Animación Musical..
Pulsa en el siguiente enlace: ACTIVIDADES JCLIC SOBRE EL BARROCO
COMPOSITORES BARROCOS
RECURSOS INTERACTIVOS
Ejercicios sobre los compositores barrocos J.S. Bach, G.F. Händel y A. Vivaldi..
Pulsa en el siguiente enlace: "COMPOSITORES BARROCOS"
AUDICIONES DE MÚSICA BARROCA
MELODÍA Y ARMONÍA
TEMA 7: MELODÍA Y ARMONÍA
CONTENIDOS
- Frase musical
- Cadencias
- Escala y sus tipos
- Intervalos
ACTIVIDADES
Vamos a ver si has comprendido los conceptos anteriores. Ahí van una serie de actividades que puedes realizar:
1.-
2.-
3.-
- La melodía es el elemento de la Música que percibimos con mayor facilidad y nos resulta más sencillo retener en la memoria. Es capaz de modificar nuestro estado de ánimo: alegrarnos, entristecernos, emocionarnos ... . Por eso, del tipo de melodía depende, en gran medida, el resultado final de la obra musical.
- La armonía, por su parte, proporciona el acompañamiento que complementa y da riqueza a la melodía, y contribuye a configurar su carácter.
- A lo largo de esta unidad intentaremos explicar algunas de las características que debemos tener en cuenta para analizar una melodía, así como comprender un poco mejor el concepto de armonía.
CONTENIDOS
- A modo de introducción a los contenidos, está atento a la siguiente animación y juega con el mago en la casa de la melodía:
- En la presentación que aparece aquí abajo "la melodía y la armonía" se te indican los contenidos fundamentales:
Melodía:
- Tipos de melodía- Frase musical
- Cadencias
- Escala y sus tipos
- Intervalos
Armonía
- Acorde ACTIVIDADES
Vamos a ver si has comprendido los conceptos anteriores. Ahí van una serie de actividades que puedes realizar:
1.-
2.-
3.-
http://www.aprendemusica.es/
4.-
http://rincones.educarex.es/musica/
EVALUACIÓN
Para evaluar esta unidad vas a realizar las actividades que aparecen en el enlace de abajo. ¿Cuántas preguntas eres capaz de responder correctamente?:
http://sintiza.com/mjcr/WebQuestion/melodia1/melodia1.htm
REPASO
http://sintiza.com/mjcr/WebQuestion/melodia1/melodia1.htm
REPASO
El mapa conceptual que a continuación aparece te va a servir para repasar todo lo aprendido. Está muy bien resumido y viene con diferentes ejemplos también auditivos y videos muy interesantes.
Espero que tu aprendizaje haya resultado algo más ameno.
La Melodía
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HIMNO DE LA ALEGRÍA
Con motivo del Día de la Paz vamos a tocar el HImno de la Alegría, compuesto por el genial compositor L.V. Beethoven. Pero antes UN POCO DE HISTORIA:
El Himno a la alegría nace en 1785 como poema de la mano del alemán Friedrich Von Schiller, hombre de letras (poeta, historiador, filósofo y dramaturgo) encuadrado dentro del Clasicismo de Weimar junto con Ghoete. Su nombre original fué el de Oda a la Libertad pero fué censurado y cambiado por el de Oda a la alegría (An die Freude).
El espíritu del poema, inspiró a un joven Beethoven tan solo 39 años después el cual presentó en el teatro de la Corte Imperial de Viena su famosa Novena Sinfonía, en cuyo movimiento final incluyó la Oda a la Alegría para coro y solitas. El músico compartía los ideales del poeta asi que inspirado por él incluyó un fragmento del poema en la Novena.
El genio de Beethoven terminó eclipsando la figura de Friedrich Von Schiller y su Novena Sinfonía terminó convirtiendose en algo que atravesó las fronteras y el tiempo hasta nuestros días.
La Novena y la Oda resurgieron con fuerza durante los años 70.
El testigo lo tomó primero un granadino, el rockero Miguel Rios, que hizo en 1969, la que quizás sea la mejor versión de la Novena, reescribiendo la letra.
Unos pocos años después, en 1972, el Consejo de Europa, organismo internacional bajo el que se agrupan casi todos los estados europeos, pide al famoso director austriaco Herbert Von Karajan, unos arreglos para piano, viento y orquesta sinfónica y el 19 de Mayo de 1985, la Unión Europea (no confundir con el Consejo de Europa), adopta la versión de Karajan como Himno Europeo.
Los ideales de Friederich Von Schiller de libertad y hermandad, son adoptados como el ideal al que aspira Europa; "no pretende reemplazar los himnos nacionales de los Estados miembros sino celebrar los valores que todos ellos comparten y su unidad en la diversidad." (Portal web de la UE)
El papel de interpretar oficialmente la obra fue acordado a Herbert von Karajan. El director escribió sus decisiones acerca de la interpretación en la partitura, especialmente aquellas concerniendo el tempo. Karajan se decidió por un tempo de corchea = 120 mientras Beethoven había escrito mínimo = 80.
El texto de Friedrich von Shiller no fue mantenido para el Himno por obvias rezones de traducción, pero la música ES universal…El Himno dura 2 minutos.
El tema no quedará, ahí. Este relanzamiento de la obra de Schiller y Beethoven en los 70 y 80 dará lugar a nuevas versiones que han llevado al Himno a la alegría a categorías como el pop, el heavy o incluso el rap.
Ahora sí, aquí os dejo un vídeo y la partitura para flauta, para que practiquéis en casa.
Himno de la alegría: un poco de historia
Pocas veces en la historia se ha dado el caso de que una melodía sea reconocída en cualquier parte del mundo y encarne tantos valores e ideales como el Himno a la alegría.
El Himno a la alegría nace en 1785 como poema de la mano del alemán Friedrich Von Schiller, hombre de letras (poeta, historiador, filósofo y dramaturgo) encuadrado dentro del Clasicismo de Weimar junto con Ghoete. Su nombre original fué el de Oda a la Libertad pero fué censurado y cambiado por el de Oda a la alegría (An die Freude).
El espíritu del poema, inspiró a un joven Beethoven tan solo 39 años después el cual presentó en el teatro de la Corte Imperial de Viena su famosa Novena Sinfonía, en cuyo movimiento final incluyó la Oda a la Alegría para coro y solitas. El músico compartía los ideales del poeta asi que inspirado por él incluyó un fragmento del poema en la Novena.
El genio de Beethoven terminó eclipsando la figura de Friedrich Von Schiller y su Novena Sinfonía terminó convirtiendose en algo que atravesó las fronteras y el tiempo hasta nuestros días.
La Novena y la Oda resurgieron con fuerza durante los años 70.
El testigo lo tomó primero un granadino, el rockero Miguel Rios, que hizo en 1969, la que quizás sea la mejor versión de la Novena, reescribiendo la letra.
Unos pocos años después, en 1972, el Consejo de Europa, organismo internacional bajo el que se agrupan casi todos los estados europeos, pide al famoso director austriaco Herbert Von Karajan, unos arreglos para piano, viento y orquesta sinfónica y el 19 de Mayo de 1985, la Unión Europea (no confundir con el Consejo de Europa), adopta la versión de Karajan como Himno Europeo.
Los ideales de Friederich Von Schiller de libertad y hermandad, son adoptados como el ideal al que aspira Europa; "no pretende reemplazar los himnos nacionales de los Estados miembros sino celebrar los valores que todos ellos comparten y su unidad en la diversidad." (Portal web de la UE)
El papel de interpretar oficialmente la obra fue acordado a Herbert von Karajan. El director escribió sus decisiones acerca de la interpretación en la partitura, especialmente aquellas concerniendo el tempo. Karajan se decidió por un tempo de corchea = 120 mientras Beethoven había escrito mínimo = 80.
El texto de Friedrich von Shiller no fue mantenido para el Himno por obvias rezones de traducción, pero la música ES universal…El Himno dura 2 minutos.
El tema no quedará, ahí. Este relanzamiento de la obra de Schiller y Beethoven en los 70 y 80 dará lugar a nuevas versiones que han llevado al Himno a la alegría a categorías como el pop, el heavy o incluso el rap.
Ahora sí, aquí os dejo un vídeo y la partitura para flauta, para que practiquéis en casa.
También os dejo una versión diferente cantada por Víctor, Ana, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat. Espero que os guste.
Zarabanda Handel
HABLEMOS DE LA ZARABANDA
folía, de origen español, que es uno de los temas melódicos mas antiguos europeos, terminó convirtiéndose en uno de los patrones rítmico-melódico más famosos de la historia de la música.
Zarabanda: Haendel
La Sarabanda de la Suite en re menor, es una de las composiciones más famosas de Georg Friedrich Haendel (Halle, 1685 – Londres, 1759), compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la música occidental.
La zarabanda es una danza de ritmo ternario lenta y majestuosa, de origen español, donde nació como un baile rápido y provocativo acompañado por castañuelas y guitarra. En Francia se convirtió en una danza más lenta y de gran expresividad, con múltiples ornamentos en las melodías y en los pasos del bailarín.
Durante el siglo XVII muchas de las danzas populares llegaron a los salones cortesanos estilizadas por los maestros de danza que refinaron y embellecieron los movimientos para adecuarlos a la seriedad y elegancia palaciegas.
Estas danzas se difundieron por las cortes de toda Europa, introduciéndose en las obras de teatro y en las óperas y también sirvieron de inspiración a compositores de la época que las recopilaron o rescataron sus diseños rítmicos para crear piezas instrumentales con igual denominación.
Por alguna razón aún desconocida, este tema fascinó a los compositores más significativos de la época, entre ellos a Haendel, cuya zarabanda está inspirada en ella.
AVANZAMOS EN EL TIEMPO............... YA ESTAMOS EN EL BARROCO.
Bach no salió nunca de su Alemania natal, donde desempeñó el cargo de músico de corte o iglesia. Compuso grandes obras religiosas, obras pedagógicas (iban muchos músicos a aprender de él), y mucha música instrumental: para órgano, instrumentos de cuerda, para clave...Varios hijos suyos fueron músicos de renombre. No fue muy apreciado en su época, tuvieron que transcurrir décadas para colocar la música de Bach en el lugar que le corresponde.
Haendel, más viajero, recorrió distintos países, donde entró en contacto directo con distintos estilos. Finalmente, se estableció en Inglaterra, donde se convirtió en el compositor de moda, conocido, querido y respetado por el pueblo y las clases altas. Lo que le reportó su fama fueron las óperas que compuso.
Italia: Antonio Vivaldi es un ejemplo de cómo los italianos entendieron el barroco musical. Este compositor veneciano escribió gran cantidad de obras para ser interpretadas por sus alumnas de música del orfanato femenino de Venecia. Cultivó todos los géneros musicales. Su obra más popular hoy en día es Las cuatro estaciones.
Aquí os dejo la presentación que vimos en clase y que también os ayudará a realizar las actividades.
C:\Users\user\Desktop\musica-barroca.htm
EL BARROCO (s. XVII y mitad del XVIII)
● El Barroco. Características musicales.
Parece ser que la palabra “barroco” procede del término portugués “barrueco”, que designaba a una determinada clase de perlas irregulares. El arte del siglo XVII participa de ciertas características de las perlas, que en pintura y arquitectura se manifiestan en el gusto por las formas redondeadas y el empleo de los contrastes producidos por las luces y las sombras (claroscuro). Lo que está claro es que la palabra “barroco” quiere hacer pensar en algo que es, como esas perlas, irregular, extravagante, algo adornado exageradamente.
La música de este período va a progresar a fuerza de crear estilos radicalmente diferentes a los utilizados en el siglo anterior, y gracias a la indagación en terrenos diferentes. Por ejemplo, en el Renacimiento (s. XVI) era una novedad y se puso de moda la polifonía, algo muy nuevo y arriesgado en su momento, en la que todas las voces tenían la misma importancia, y además, no era música totalmente instrumental o totalmente vocal porque toda la música instrumental se podía cantar o viceversa. Ahora, en el siglo XVII, en el Barroco la atención se centra en expresar la letra haciéndola sobresalir, con lo cual, la polifonía pierde importancia ¡cómo entender la letra si se cantaban tres o cuatro al mismo tiempo! De esta manera, ahora las voces tendrán distinta función: una será la principal y las demás servirán de acompañamiento, es decir, para que el texto se entienda mejor, con claridad, una voz cantará y los instrumentos realizaran un acompañamiento a base de acordes. Es lo que se llama monodia acompañada.
Los contrastes de luz que en pintura resultaban “barroco” en música se tradujeron en contrastes sonoros. Así, una de las formas de crear diferencias sonoras fue el estilo concertato, que apareció en este período. Se trata de hacer “batallar” o “conversar” a los instrumentos entre sí, oponiendo, por ejemplo, un instrumento solista a toda la orquesta, un coro a otro coro, un grupo instrumental a otro...De esta manera se tenían garantizados los contrastes buscados.
· Los grandes genios del Barroco.
Alemania: Las dos grandes figuras alemanas fueron Johann Sebastián Bach y Georg Friedich Haendel. Estos dos músicos, aunque de la misma edad y del mismo país, siguieron caminos totalmente diferentes.
- El violín en el siglo XVII.
La pequeña ciudad italiana de Cremona ha pasado a la historia por haber dado los mejores constructores de violines del mundo (los constructores de instrumentos se llaman “Luthier”). El primero en fundar un taller fue Andrea Amati (1520-1580). En ese taller trabajó como aprendiz el más famoso de los luthieres: Antonio Stradivarius. Antonio Stradivarius escogía con esmero madera de arce, abeto y ébano, tallando, ahuecando y dando forma a las casi setenta piezas de que consta un violín. Al final las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz pardo rojizo. El resultado fueron unos violines cuya sonoridad aún no ha sido superada. Se cree que el secreto del sonido de estos violines reside en la composición del barniz.
● Nace la ópera.
La ópera surge a principios del siglo XVII, del barroco, y consiste en una representación escénica cantada, en la que se unen al canto la música instrumental, un argumento, el gesto dramático y la danza.
**Los recursos de la ópera son:
- El recitativo: Especie de declamación entonada con acompañamiento de bajo continuo o de orquesta.
- El aria: Partes cantadas a solo, donde los cantantes muestran sus habilidades vocales.
Parece ser que la primera ópera fue Dafne de Jacobo Peri, estrenada en 1597, pero de ella sólo quedan fragmentos. En 1600 se estrenaron dos óperas con el mismo título Eurídice, una de Peri y otra de Caccini, y ambas nos han llegado completas. Pero el desarrollo de este nuevo género se debió a Claudio Monteverdi y sus óperas más importantes: Orfeo, El retorno de Ulises a la patria, y La coronación de Popea. Tras estos inicios la ópera se extenderá por Italia y más tarde por Europa, creando distintos estilos.
● España y el nacimiento de la Zarzuela, siglo XVII.
En los bosques de El Pardo, donde iba a cazar y a pasar días de campo el rey Felipe IV, existía un pabellón entre zarzales, denominado por ello “La Zarzuela” [1]donde el rey y su corte celebraban los días de excursión.
El 17 de enero de 1657 se estrenó es este pabellón de caza una obra de teatro, con letra y argumento de Pedro Calderón de la Barca que estaba acompañada de música, para entretenimiento de los asistentes. Sólo nos ha llegado el nombre de uno de los músicos que participó en la obra: Juan Hidalgo. Esta obra se llamaba “El golfo de las sirenas” y el argumento giraba en torno a la figura de Ulises y su aventura con las sirenas. A este tipo de música teatral se la llamó “Zarzuela”, es un género parecido a la ópera pero genuinamente español.
[1] Con la expansión de Madrid terminó integrándose en la ciudad, y hoy en día es la residencia oficial de los reyes de España.
› El barroco y el arte en general.
Los artistas del barroco van a intentar representar la realidad desde un punto de vista natural.
En pintura, por ejemplo, las figuras tendrán movimiento y la escena estará representada con cierta teatralidad. Se hacen retratos de tipos desagradables (como “David con la cabeza de Goliat” del pintor italiano Caravaggio), cadáveres, pero también rostros que expresan risas o miedo, y habitualmente los retratos son de cuerpo entero.
En arquitectura se empleará decoración vegetal en las fachadas, columnas salomónicas y cúpulas con efectos de luz espectaculares.
En escultura se realizarán figuras en movimiento con ropajes agitados (caídas de túnicas, capas, vestidos…) que normalmente ocultan la forma humana. Los temas suelen ser mitológicos o funerarios; en España se trabajará mucho la imagen procesional.
“Éxtasis de santa teresa” de Bernini
Aquí os dejo la presentación que vimos en clase y que también os ayudará a realizar las actividades.
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Musica Barroca
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